Oscar Wildes roman om portrettet av mystisk kraft er en av de mest uhyggelige i litteraturhistorien. Tradisjonen om å demonisere menneskeskapte lerreter kommer imidlertid fra århundrets dyp: Lenge før kunstens fremvekst ble noen bilder og symboler tilbedt som personifiseringen av de uaktuelle kreftene i naturen. I hvert museum og galleri i verden er det minst en utstilling som de mest utrolige historiene er forbundet med, som ikke alltid kan forklares …
Kjære ideal
Portrettet av Maria Lopukhina av Vladimir Borovikovsky er et maleri som alle i Russland kjenner. En gang i tiden underviste språklærere minst en gang i året en leksjon om sammenhengen mellom maleri og litteratur. Og dette portrettet ble vist uten å mislykkes, og leste et dikt dedikert til ham av Yakov Polonsky:
Men Borovikovsky reddet skjønnheten hennes.
Så en del av sjelen hennes flyr ikke fra oss, Og det vil være dette utseendet og denne skjønnheten i kroppen
For å tiltrekke seg likegyldige avkom til henne, Salgsfremmende video:
Lærer ham å elske, lide, tilgi, være stille
Den diskrete, delikate skjønnheten til en ung kvinne er dyktig innskrevet i et russisk landskap som er kjært for hjertet: bjørker ser ut til å gjenspeiles i kjolen, kornblomster er i tone med beltet, et fallende sjal er et svar på helte ører og hengende roser.
Portrett av Maria Lopukhina. Kunstner V. Borovikovsky. 1797 g.
Maria Ivanovna Lopukhina (1779-1803) fra Tolstoj-familien i en alder av atten år giftet seg med jägermeisteren, en ekte kammerherre ved retten til Paul den første. Et seremoniell portrett for bryllupet hennes ble bestilt i 1797 av den mest fasjonable kunstneren. Mannen var eldre, ekteskapet ordnet seg ikke, og Marias skjebne var ulykkelig. Fire og tju år ble hun slukket fra forbruk. Det viste seg at hele hennes jordiske formål var at kunstneren skulle male fra henne idealet om en ung russisk kvinne på slutten av 1700-tallet.
Etter denne triste døden spredte legenden seg at faren, mesteren av frimurerlosjen, lokket inn i bildet sjelen til sin elskede datter. Det kom til at unge jenter ble forbudt å se på portrettet for å unngå utidig død. Relikviene ble imidlertid holdt i familien, og det var ikke snakk om massehysteri.
I 1880 kjøpte Tretyakov dette arbeidet til Borovikovsky for sitt galleri. Dårlige rykter ble øyeblikkelig undertrykt, og portrettets kunstneriske verdi ble fortjent rost av kjennere av høy kunst.
Vi må hylle den store portrettmaleren: du kan ikke ta øynene opp for den 18 år gamle aristokraten i Tretyakov Gallery: Ansiktet hennes utstråler sjarm og friskhet for ungdom. Og hvis du ser på bildet litt lenger, ser det ut til at Maria Ivanovna virkelig kommer til live. Imidlertid er dette eiendommen til alle gode portretter og vår fantasi.
Brannpustende liljer
Vannliljer. Clouds”av impresjonisten Claude Monet (1903) - et av de mest innovative maleriene for sin tid. Hun hypnotiserer bokstavelig talt med solskinn på vannet, refleksjon av skyer, og det å spille lys og skygge på det er et mesterverk.
Vannliljer. Skyer. Kunstner K. Monet. 1903 g.
De siste 30 årene av sitt liv bodde Monet sammen med sine mange husholdningsmedlemmer i landsbyen Giverny mellom Rouen og Paris. Her kjøpte han 7.500 kvm. meter eng, drenerte den, skapte et tjern, forbinder den med en kanal med elven Ept.
I denne vannhagen ble det til og med reist en japansk buet bro, kjent for hele verden fra flere malerier. I 1890 tok Monet, som han selv skrev, "en serie med forskjellige effekter", der han prøvde å uttrykke hele spekteret av menneskelige følelser avhengig av lyssetting av hagen til forskjellige tider av døgnet. Han kalte maleriene sine reflekterende landskap: det er ingen horisont på dem, og på samme tid inneholder hvert fragment trær, skyer og uendelige fargenyanser. "Alle tonene av rød, gul, rosa, blå, grønn, syrin er her, i et lite stykke vann, der hele himmelen, all plass blir avslørt for oss." Mer enn 80 malerier av Monet med vannliljer og liljer har overlevd. Kritikerne var strålende fornøyde.
En av dem er “Vannliljer. Skyer”har en merkelig historie. I likhet med Shakespeares Macbeth antas hun å forårsake brann.
Den første brannen skjedde i Monets studio, da han og vennene børstet til side fullføringen av arbeidet med maleriet. "Lilies" migrerte til en kabaret i Montmartre, men en måned senere brant det ned, selv om selve bildet ikke var skadet
Snart ble den kjøpt av filantropen Oscar Schmitz, og det brøt ut en brann for tredje gang i hans parisiske hjem. Det skjedde et år etter at hun dukket opp der. Dessuten startet brannen nettopp på kontoret der "Liljene" hang. Da havnet det mirakuløst overlevde maleriet i New York Museum of Modern Art. Men fire måneder senere, i 1958, brøt det ut en brann her, og denne gangen ble lerretet betydelig skadet. Videre ender løypa.
Hvor er disse "Lilies" nå? På forespørselen svarer Internett-kataloger: "Plassering ukjent." Eller sjenert: "Privat samling".
Barns brennende forbannelse
The Crying Boy av Bruno Amadio, kjent som Bragolin (1911-1981), regnes også som et "dårlig" maleri. Han skapte en hel serie "Gipsy Boys" (Gipsy Boys) på 27 lerreter, hvor de unge karakterene utmerker seg ved et dystert, tragisk uttrykk i ansiktene. Det er en versjon om at dette var foreldreløse, ofre for andre verdenskrig, som han fant på et barnehjem i Spania.
På begynnelsen av 1950-tallet publiserte et forlag reproduksjoner av denne serien med et opplag på 50 tusen eksemplarer, og de solgte raskt ut. En av dem var The Crying Boy, som fikk mest popularitet. Bragolin laget minst 50 forfattereksemplarer bare for turistenes behov.
Gråtende gutt. Kunstner Bragolin (Bruno Amadio). 1940
I 1985 dukket det opp en påstått gammel legende relatert til maleriets historie. De forteller at kunstneren, som ikke kunne få det lille forbillet til å gråte på noen måte, brakte ham til hysteriker, og slo treff foran ansiktet hans. Til slutt ropte gutten angivelig: "Ja, slik at du brenner deg selv!"
I september rapporterte en viss Hull-familie i avisen Sun at huset deres hadde brent ned, og etterlot bare en gjengivelse av den berømte Crying Boy på veggen uberørt av brannen. Avisen, med mål om å øke sirkulasjonen, sporet en kjede av branner i Nord-England, der det største antall eksemplarer ble solgt.
Og hver gang den samme tingen: barnet så på asken fra bildet i tårer - det eneste som gjensto etter ulykken. Sola oppfordret eierne av reproduksjonene til å avhende dem umiddelbart. Panikken avtok gradvis, men siden den gang har brannmannskaper overtroisk overvekt "Crying Boy", hvis ikke årsaken, så forspeilet spontan tenning.
En interessant historie fant sted på en brannstasjon, der, for å fordype overtro, ble en kopi av "Gutt" hengt opp, og så på voksne med en levende bebreidelse. Noen dager senere brant alle måltider på kjøkkenet til brannstasjonen.
Riktig nok sier de at hvis du behandler "Crying Boy" med kjærlighet og hengivenhet, bringer han lykke til. Det er imidlertid ennå ikke funnet noen som er villige til å ta en sjanse og henge et bilde hjemme med det formål å eksperimentere.
Å ta ut sjelen
Et annet lerret, med en underlig herlighet - "Hands Resist Him" av Bill Stoneham (1972). På den ved siden av gutten er det en dukke, skremmende lik en levende jente. Og bak glassdøren strekker mange hender seg ut til dem. Det antas at hvis du ser på et bilde i mer enn fem sekunder, tar den sjelen ut.
Kunstneren tolker arbeidet sitt på følgende måte: helten i bildet er seg selv (Bill kopierte seg fra et barnefotografi); døren skiller det virkelige livet fra drømmenes verden; dukken er en guide mellom de to verdenene, og hendene symboliserer mange forskjellige muligheter.
"Hender motstår ham." Kunstner B. Stoneham. 1972 år
Navnet er tilfeldig: kunstneren hadde det travelt med å overlate ordren, og så dukket han opp et dikt nettopp komponert av sin kone, "Hands resist him."
Kunstkritikeren som først satte pris på maleriet døde like etter. Men hun skaffet seg en virkelig skandaløs berømmelse etter utstillingen, der flere besøkende foran henne følte seg syke: noen gret uforvarende, noen besvimte.
"Hands" ble kjøpt av skuespiller John Marley. Etter hans død i 1984 ble maleriet ført til en søppelfylling, hvor det ble hentet av en tilfeldig familie som dekorerte soverommet til deres fire år gamle datter. Den aller første natten vekket babyen foreldrene med skrik om at barna på bildet kjempet! Ved en annen anledning sa hun at hun så begge barna på den andre siden av døren. Til slutt ble en sporingssensor installert i barnehagen - og den fungerte mer enn en gang i løpet av natten.
Maleriet for 199 dollar ble lagt ut på eBay-auksjonen på nettet - med advarsel om mulig psykisk innvirkning. Rett etter opptreden på nettstedet begynte brukerne å klage på dårlig helse, kvalme og angrep av angina pectoris.
For litt over tusen dollar ble det kjøpt av Kim Smith, eieren av galleriet i Grand Rapids, Michigan, hvor det fremdeles ligger.
Det er ikke mange som vil bli kjent med henne. Smith forteller at en gang en gruppe menn sto i dødelig stillhet i tjue minutter foran et maleri, til noen sa: "For en skrekk …"
Stoneham, hvis side er lett å finne på Internett, fortsatte emnet, viser det seg. I 2004, 32 år etter opprettelsen av maleriet "Hands Resist Him", skrev han et par til det - "Resistance on Threshold." Og for ikke så lenge siden, i 2012, fullførte han triptykjen med lerretet "The Threshold of Revelations." Innholdet deres koker ned til det faktum at dukken, som fjerner den stramme masken, til slutt blir en ekte jente, og gutten - til en falsk gammel mann. Selvportrettet likhet mellom kunstneren og helten i maleriene er tydelig - med alle spor etter et vanskelig kunstnerisk liv. Det vil si at vi returnerer til "The Portrait of Dorian Gray", og vi konstaterer at Stoneham selv i løpet av årene, dessverre, ikke har blitt yngre.
I mellomtiden mottar Kim Smith nå og da fristende tilbud med sekssifretall, men er ikke klar til å skille seg ut med attraksjonen som dundrer over hele verden. Han anser "Hands" for å underholde galleri-eierens forfengelighet med bevis på at det ikke er noe i denne verden som er mer mystisk enn malerier på et enkelt lerret.
Andrey Arder
